Vinyl Creators – ein Interview mit Andreas Vingaard von Frederiksberg Records

Frederiksberg Records ist in der Top-Liga der Wiederveröffentlichungen fest verankert. Das in Kopenhagen verwurzelte, aber in Brooklyn ansässige Label widmet sich den Geschichten außergewöhnlicher Künstler, von denen Sie wahrscheinlich noch nie gehört haben. Wir trafen uns mit dem Kopf hinter dem Unternehmen, Andreas Vingaard, dank einer wackeligen Internetverbindung, um über Free-Jazz-Anekdoten, US-Navy-Stützpunkte und die Zukunft von Wiederveröffentlichungslabels zu sprechen.

Text von Markus Kilsgaard
Fotos mit freundlicher Genehmigung von Andreas Vingaard

Wir schreiben das Jahr 1969, und der dänische Tenorsaxophonist Carsten Meinert hat gerade einen Meilenstein der dänischen Jazzgeschichte veröffentlicht. Auf sieben mitreißenden Tracks brechen Meinert und seine Bandmitglieder Henrik Hove (Bass), Ole Streenberg (Schlagzeug) und Ole Mathiessen (Klavier) mit den vorherrschenden New-Orleans-Swing- und Bebop-Klassikern, die den dänischen Jazz der 60er Jahre prägten. Mit einer deutlichen Anspielung auf die Arbeit seiner amerikanischen Vorfahren einige Jahre zuvor erweckt Meinert den dänischen Jazz zu neuem Leben und katapultiert ihn in die Avantgarde.

Trotz seiner historischen Bedeutung und der musikalischen Wucht der sieben atemberaubenden Stücke geriet „To You“ schnell in Vergessenheit, als die Jazz- und Musikgeschichte andere Wege einschlug, und fristete schließlich ein stilles Dasein in den Regalen einiger weniger Sammler. Mit anderen Worten: „To You“ landete in einem Kuriositätenkabinett, wo Angebot und Nachfrage nie decken und eine gut klingende Kopie auf Discogs oder eBay astronomische Summen erzielt.

Erst 2015 wurden die klanglichen Schatten von „To You“ neu interpretiert und erreichten die heutigen, zögerlichen Ohren durch eine wunderschöne Neuauflage auf dem eigens dafür gegründeten Label Frederiksberg Records.

Cover von Carsten Meinert Kvartet – To You (1969)

Gründer und Einzelunternehmer Andreas Vingaard führt aus:

Ich war schon eine Weile mit Carsten (Meinert) befreundet und fühlte eine starke Verbindung zu der Platte, als wir zum ersten Mal über die Idee einer Neuauflage sprachen. Letztendlich dauerte es fast drei Jahre, ihn von der Idee zu überzeugen, der Platte neues Leben einzuhauchen, und etwa drei weitere Jahre, um die mühsame Arbeit des Remasterns, der Recherche und des Schreibens der Liner Notes, der Suche nach Fotos, der Gestaltung des Covers usw. tatsächlich zu erledigen. In der Zwischenzeit hatten wir eine weitere Jazzplatte herausgebracht – eine finnische. Als „To You“ herauskam, sahen die Leute FRB. als Jazzlabel, obwohl wir uns das nie so vorgestellt hatten.

„Auch auf einer emotionaleren Ebene war Carstens Arbeit mit Spectator Records eine große Inspirationsquelle für mich. Das Label verkörperte DIY im wahrsten Sinne des Wortes und half während seiner relativ kurzen Existenz Künstlern – viele von ihnen aus dem ländlichen Dänemark – ohne Mittel und ohne Netzwerk, Musik zu veröffentlichen, die sonst nie das Licht der Welt erblickt hätte.“

Portrait von Carsten Meinert

Seit seiner Gründung hat Frederiksberg zahlreichen Platten neues Leben eingehaucht, die zuvor still und leise auf dem riesigen Ozean der Musik dümpelten, der heute dank YouTube und Co. durchforstet werden kann. Im Gegensatz zu anderen Reissue-Labels, die sich auf ein bestimmtes Genre, eine bestimmte Szene oder Ästhetik konzentrieren (z. B. Habibi Funk, Stroom oder Music for Memory), verfolgt Frederiksberg einen genreunabhängigeren Ansatz, der von Vingaards Geschmack, seiner Liebe zum Geschichtenerzählen und zufälligen menschlichen Verbindungen getragen wird. Betrachtet man den Backkatalog von FRB., der Veröffentlichungen von Virgin Island Soca über Bermuda-Disco bis hin zu früher Electronica im Kraut-Stil umfasst, ist es sicherlich schwer, FRB. als Jazz-Label einzuordnen. Und obwohl die meiste vom Label neu aufgelegte Musik von manchen als Vintage bezeichnet werden könnte, spielt die Sehnsucht nach der Vergangenheit bei der Entscheidung, was als nächstes neu aufgelegt werden soll, kaum eine Rolle.

„Ich habe mir das Label nie als nostalgisches Projekt vorgestellt, in dem Sinne, dass ich keine Musik veröffentliche, um in Erinnerungen zu schwelgen oder zu sagen, dass die Dinge früher besser waren als heute. Ein Großteil der Musik, die ich veröffentliche, ist für mich und vielleicht auch für viele andere Menschen neu. Die meisten FRB-Neuauflagen kann man auf zwei Arten angehen – mit zwei Paar Ohren, wenn man so will.

Die Musik muss frisch klingen, körperliches und geistiges Vergnügen hervorrufen und eine interessante Geschichte haben. Es geht nicht nur darum, die Geschichte einer alten Platte zu erforschen, sondern den Rahmen der Diskussion darüber zu erweitern und sowohl in die Vergangenheit als auch in die Zukunft zu blicken. Diese Neuauflagen sind der Beweis, dass alte Musik kein Artefakt sein muss, sondern dass Werke aus früheren Zeiten auch heute noch mit der gleichen Energie leben und atmen können.“

Die starke Betonung von Storytelling und Kontextualisierung ist kein Zufall, wenn man Vingaards Ausbildung und Hauptberuf als Videojournalistin bedenkt. Und während immer mehr Reissue-Labels wegen Profitgier und minderwertiger Produktionen in die Kritik geraten, sticht Frederiksberg Records in Sachen Gründlichkeit und Sorgfalt gegenüber den Künstlern deutlich hervor.

Ich wurde beim dänischen öffentlich-rechtlichen Rundfunk (DR) als Kameramann und Redakteur ausgebildet und arbeite jetzt neben meiner Arbeit für das Label als Videojournalist. Meine Arbeitsweise begann jedoch schon mit Anfang zwanzig, als ich Künstler und Leute aus der Musikbranche anrief. Es hat mich schon immer gereizt, Informationen auszugraben, die ich nicht einfach nachlesen konnte, und mir Geschichten sozusagen aus erster Hand anzuhören. Vielleicht hat es geholfen, jung und naiv zu sein – in dem Sinne, dass ich nicht allzu viel darüber nachgedacht habe, ob ich komisch rüberkommen könnte.

Während unser Gespräch zwischen Musikgeschichte und dem Gesamtbild der aktuellen Lage der Branche hin- und herschwankt, ist Vingaard am lebhaftesten, wenn er über die Künstler spricht, mit denen er zusammenarbeitet. Dabei offenbart er, dass er sich eher hinter der Geschichte als im Mittelpunkt einer Geschichte fühlt.

„Die Künstler, mit denen ich arbeite, waren nie in den Charts – vielleicht haben sie ein paar Konzerte im Ausland gegeben –, aber ansonsten existieren sie mehr oder weniger am Rande der Musikindustrie, ohne Auszeichnungen für ihr Lebenswerk oder Platin-Verkäufe auf ihrem Konto. Es gibt nie ein großes Label, das den Prozess vermittelt. Wenn ich also an einer Neuauflage arbeite, geschieht dies immer in Zusammenarbeit mit dem Künstler oder seiner Familie. Dadurch entsteht die menschliche und emotionale Verbindung, die meine Motivation antreibt.“

Und dann ist da noch die eher nerdige und kosmische Seite: die Fähigkeit, diese Teile der Musikgeschichte zu entwirren, die so eng miteinander verwoben sind. Musik hängt, wie jede andere Kunstform, auf die eine oder andere Weise zusammen, und zu verstehen, wie scheinbar kleine Zufälle Wellen schlagen, die letztendlich Kunstwerke oder ganze Genres definieren, kitzelt mein Gehirn auf angenehme Weise.

Um seinen Standpunkt zu untermauern, feuert Vingaard zahlreiche Anekdoten aus den Annalen der musikalischen Unbekanntheit ab. Er verweist auf die jüngste Platte von Milt Ward, die er herausgebracht hat, und darauf, dass sie ohne die zufälligen Begegnungen rund um das Berklee College of Music nie das Licht der Welt erblickt hätte.

„Dass sich diese Menschen damals an diesem Ort trafen, war der Auslöser für eine Platte, die auch 40 Jahre später noch relevant ist.“

In ähnlicher Weise wird die grenzüberschreitende Kraft der Musik vor dem Internet überdeutlich, wenn er davon spricht, wie der Radiosender auf dem US-Marinestützpunkt in Asmara (heute Eritrea) dazu beitrug, lokale Musiker mit westlichen Genres wie Soul und Country bekannt zu machen, darunter auch die Mitglieder der Band Admas, mit denen Vingaard zusammenarbeitete, um ihr halb vergessenes Kultalbum „Sons of Ethiopia“ wiederzuveröffentlichen. Auf dem 1984 privat gepressten und vertriebenen Album greift Admas auf äthiopische Musik der „goldenen Ära“ zurück und arrangiert sie mit damals relativ neuen Synthesizer- und Drum-Machine-Rhythmen. Ihre vielfältigen Referenzen sind deutlich zu erkennen.

Cover von Admas – Sons of Äthiopien (1984)

Wie Ihre Lieblings-Rockband aus den 80ern hat auch das Vinyl-Format wieder Tritt gefasst und ist auf eine weltweite Comeback-Tournee gegangen, was es zum am schnellsten wachsenden Segment der Musik macht. ( Obwohl der Branche selbstverschuldete Gefahr droht .) Kombinieren Sie diese kommerziellen Fakten mit einem Retro-Zeitgeist, fügen Sie die unbegrenzten Entdeckungsmöglichkeiten auf Plattformen wie Discogs hinzu und würzen Sie das Ganze mit pandemiebedingten Budgetverschiebungen, und Sie haben das perfekte Rezept für einen boomenden Markt für „unentdeckte“ Musik.

Einerseits ist es kaum zu übersehen, dass es nie einfacher war, vergessene, seltene Musik zu entdecken und zu kaufen. Andererseits scheint diese zunehmende Verbreitung die Kluft zwischen dem, was die ursprünglichen Künstler verdienten, und dem, was Sammler Jahrzehnte später auf dem Sekundärmarkt verdienen, nur noch zu vergrößern.

Angesichts seiner Teilzeitbeschäftigung und Vollzeitleidenschaft befindet sich Vingaard mitten in diesem Konflikt. Daher schien es nur richtig, ihn zu fragen, wie er sich angesichts der kommerziellen und wirtschaftlichen Logik seltener Schallplatten und neu aufgelegter Meisterwerke fühlt. 

Die meisten meiner Platten wurden ursprünglich in sehr kleiner Auflage gepresst – meist, weil die Künstler völlig unabhängig waren und alles selbst finanzieren mussten. Und dank des weltumspannenden Marktes, der durch Marktplätze wie Discogs entstanden ist, sind einige dieser Platten heute sehr selten und wertvoll. Aber Seltenheit und Wert an sich sind für mich kein entscheidender Faktor bei der Entscheidung, was ich neu auflege. Der Grund, warum viele meiner Veröffentlichungen weniger bekannte Platten sind, liegt darin, dass es einfacher ist, Werke neu aufzulegen, die nicht bei einem großen Label erschienen sind.

Das heißt nicht, dass mich die Seltenheit bestimmter Platten nicht auch persönlich anzieht. Ich denke, das ist eine sehr menschliche Sache.

Es ist mir ziemlich fremd, bestimmte Werke als „Eigentum“ zu beanspruchen, nur weil ich sie zufällig in meiner Sammlung habe. Und manchmal werde ich sogar von Leuten kontaktiert, die leicht verärgert sind, weil ich Sachen wiederveröffentliche, für die sie viel Geld und Zeit investiert haben. Ich glaube, ich sehe keinen wirklichen Vorteil darin, dass Musik nur in den Plattenregalen einer sehr ausgewählten Gruppe von Sammlern oder DJs schlummert.“

Hinter dem Geschäftsmodell der meisten Reissue-Labels verbirgt sich eine unbequeme Wahrheit: Beim derzeitigen Tempo digitaler Entdeckungen gibt es vielleicht gar nicht mehr so ​​viele „verborgene Schätze“ zu entdecken. Angesichts des jüngsten Volumenwachstums der Reissue-Labels drängt sich die Frage auf, ob wir bald einen Sättigungspunkt erreichen.

Ich denke, es wird immer einen Appetit auf ‚neue, unentdeckte‘ Musik geben, aber es stimmt schon, dass die Menge an Platten, die gerade auf den Markt kommt, erstaunlich ist. Für Musikfans ist es eine fantastische Zeit, alles, was man schon immer hören wollte, ist mit wenigen Klicks verfügbar. Und in bestimmten Nischen wie dem Jazz, wo bereits viel Arbeit geleistet wurde, beginnt das Angebot zu versiegen. Es würde mich nicht wundern, wenn es in fünf Jahren nicht mehr so ​​viele Jazzplatten für Neuauflagen gäbe, die noch nicht erschienen sind. Was Jazz-LPs angeht, gibt es vielleicht nur noch 20 bis 30 hochwertige Veröffentlichungen kleinerer Labels, die noch nicht veröffentlicht wurden.

Ein Beispiel: Während Vingaard an „Compass Rises“ arbeitete (eine sehr gute, aber dennoch unbekannte Platte), kontaktierten fünf Labels die Musiker und fragten, ob sie an einer Neuveröffentlichung interessiert wären.

Cover von Compass – Compass Rises (1973)

Compass-Proben (1972)

Wenn wir also ein wenig extrapolieren, könnten Neuauflagenlabels in nicht allzu ferner Zukunft ihren Bestand und damit ihre Relevanz und wirtschaftliche Grundlage verlieren? Wird es im digitalen Zeitalter nach dem Internet noch Bedarf an Neuauflagen von Musik geben?

„Kunst – insbesondere Randerscheinungen – gerät aus dem einen oder anderen Grund leicht in Vergessenheit. Was ist zum Beispiel mit der ganzen Musik auf Myspace passiert? Wurden die Originaldateien auf einer sicheren Festplatte gespeichert oder blieben sie im Desktop-Ordner eines längst verlorenen Laptops? Ich glaube, dass es immer relevant sein wird, Menschen, Geschichten und Originalaufnahmen aufzuspüren, um sie einem neuen Publikum wieder zugänglich zu machen. Vielleicht ändert sich nur das Format.“

Das bringt uns zum Zusammenhang zwischen Format und Artwork und den ästhetischen Implikationen dieses Zusammenhangs. So wie wir uns daran gewöhnt haben, dass manches Archivmaterial im Film auf Video8 oder DV-Bändern vorliegt, werden wir vielleicht dasselbe mit MP3 erleben, da es wohl das „native Format“ der Musik aus der Myspace-Ära ist. Und vielleicht wäre das gar nicht so schlecht, wenn man bedenkt, wie ressourcenintensiv physische Veröffentlichungen auf Vinyl sind. Man muss sich nur vorstellen, wie viele Ressourcen in 180-Gramm-Vinyl, Gatefolds, Etiketten und OBI-Streifen fließen.

Ich denke, die Sammlergemeinde wird ein Umdenken durchmachen müssen, um auch mehr digitales Hören zuzulassen. Und trotz aller negativen Nebenwirkungen von Streaming-Geschäftsmodellen bin ich auch sehr optimistisch und begeistert, wie offen die jüngeren Generationen für alle Arten von Musik sind, neue und alte. Mir scheint, dass sich die Leute heute viel weniger um Genre- und Zeitgrenzen kümmern und viel mehr um die Musik selbst.“

Als unser Gespräch mit dieser zukunftsweisenden Bemerkung zu Ende ging, schien es nur richtig, ihn um eine Empfehlung für eine kürzlich erschienene Veröffentlichung zu bitten, die seine Aufmerksamkeit erregt hatte.

„Glass Lit Dreams von Dawuna erschien letztes Jahr und die physischen Exemplare waren fast sofort ausverkauft. Es ist düsterer, staubiger R&B, durchzogen von experimenteller Elektronik – definitiv eine Platte, die ich gerne im Regal hätte. Da es aber zu spät ist, muss ich sie mir auf Spotify anhören. Und damit bin ich absolut nicht einverstanden.“

Zum Abschluss und um Sie hoffentlich in neue musikalische Abgründe zu entführen, hier drei unserer Lieblingsveröffentlichungen aus dem Frederiksberg-Katalog.

Das erste Soloalbum des noch immer aktiven dänischen Musikpioniers Klaus Schønning ist ein heiterer Spaziergang durch die Natur, vermittelt durch Orgeln, Elektronik und weißes Rauschen. Mit der Vision, Dänemarks Natur musikalisch zu illustrieren, teilte Schønning die Platte in zwei Suiten auf, Skoven (der Wald) und Stranden (die Küste), jeweils ergänzt durch Feldaufnahmen von Vögeln und Wellen.

Trotz ihrer überirdischen Stimme und ihres musikalischen Genies hat Susanne Menzel nur ein einziges Album vorzuweisen. Hartnäckig in ihrer künstlerischen Vision, boten ihr große Labels Soloverträge an, die von ihr verlangten, mit Produzenten zusammenzuarbeiten und auf Dänisch zu singen. Doch sie wehrte sich und beharrte auf ihrer eigenen Identität und Vision. „Goodbyes and Beginnings“ lässt sich zeitlich und örtlich kaum eingrenzen und kombiniert luftigen Folk-Gesang und naive, aber wirkungsvolle Texte mit zukunftsweisender früher Elektronik (vom bereits erwähnten Klaus Schønning) auf einer Platte, die noch immer so frisch klingt wie bei ihrer Veröffentlichung 1981.

Die Komposition „Stoned“ lässt sich am besten unter „Außerhalb der Kategorie“ einordnen. Sie wurde ursprünglich für eine Diashow mit Skulpturen des verstorbenen amerikanischen Fotografen Stuart Fox geschaffen und 1974 in winziger Stückzahl im Eigenverlag veröffentlicht. Außerhalb Dänemarks ist er wahrscheinlich vor allem für seine Filmmusik zu Jørgen Leths Dokumentarfilm „A Sunday in Hell“ aus dem Jahr 1976 bekannt. Pedersen wurde hier in Kopenhagen kürzlich mit einer ganztägigen Performance von fünf verschiedenen Stücken aus seinem Katalog auf zwölf Kanälen gefeiert.